EUGENIA BRACONY
N. 1983
www.eugenia-bracony.blogspot.com
Eugenia trabaja predominantemente con arcilla y cerámica para expresar conceptos de vacío a través de objetos, estructuras e instalaciones. Manifestar los aspectos inalcanzables e irreductibles del espacio junto con la fragilidad de los materiales y el poder de lo intangible son algunos de los temas en los que gira su trabajo. Se interesa por el espacio que ocupa el espacio vacío como problema inherente de la cerámica. Las posibilidades metafóricas de esta condición tuvieron como consecuencia un grupo de obras no funcionales.
Los objetos con los que trabaja están hechos a través de la construcción por chorizos, el método utilizado durante siglos en la alfarería tradicional en el norte de Argentina y el resto de América Latina. Esta técnica es extremadamente maleable y permite todo tipo de formas. El proceso de construcción por chorizo ilustra cómo el objeto afecta el espacio y cómo el espacio vacío es una parte activa del resultado final. El vacío parece estar contenido tanto por los objetos escultóricos como funcionales, mientras que en las estructuras que trabaja el vacío lo atraviesa. Estas estructuras están formadas por módulos que se expanden para crear un patrón. El espacio negativo que es necesario para crear este tipo de tejido es la fuerza misma que muestra la fragilidad de estas piezas. Todas estas obras parecen expresar que el vacío, por inasible que sea, está lejos de ser incorpóreo
BIO
Nació en Växjö, Suecia, en 1983. Sus padres, ambos argentinos, volvieron al país junto con ella y su hermano en 1988. Se radicaron en Paraná, Entre Ríos, de donde es toda su familia. Es artista y profesora de cerámica por el Instituto de Cerámica de Avellaneda Emilio Villafañe. Estudió cerámica con Tusi Horn en la Escuela “Juan Mantovani” de Santa Fe y en el 2003 se mudó a Buenos Aires con la idea de profundizar y dedicarse exclusivamente al universo de la cerámica. Creó su marca y taller de producción de utilitarios de alta temperatura “Cajonera Cerámica”. En los años 2010 y 2011 participó en la Escuela de Proyecto para Artistas con Manuel Amestoy, Augusto Zanela, Andrea Juan y Sergio Bazán, y continuó su formación con Graciela Olio y Mónica Millán. Participó en numerosas muestras individuales y colectivas. Obtuvo el 1º Premio Adquisición Salón Municipal de Cerámica de Avellaneda, 2º Premio en el 103º Salón Nacional de Artes Visuales y Mención en el 105º Salón Nacional de Artes Visuales. Recibió el 1º Premio concurso nacional de artesanías Fondo Nacional De las Artes y 2º premio en el Salón Nacional de Creatividad y Diseño por dos años consecutivos. En 2017 expuso en la residencia para artistas “Künstlerhaus Stadttöpferei Neumünster”, en Alemania, y en el Museo Provincial de Bellas Artes de Entre Ríos “Pedro E. Martínez”. En 2020 expuso en “Sala de Máquinas” de Madrid, en el marco de la Residencia R.A.R.O y fue seleccionada en el premio Itaú, única en su categoría. Actualmente reside en la ciudad de Buenos Aires y es profesora de Tecnología de los Materiales Cerámicos y y Alfarería en el Instituto de Cerámica de Avellaneda.
FEDERICO ROLDÁN VUKONICH
N. 1993
www.cargocollective.com/roldanvukonich
El trabajo de Federico Roldan Vukonich se manifiesta en la escultura, la instalación y el video. Por lo general, sus propuestas están íntimamente ligadas a las características del contexto de producción o espacio de exhibición, así también como a la recopilación de estrategias que lleva formadas y a patrones de movimientos inconscientes enlazados a su biografía.
Crea zonas donde la espiritualidad, familia, amor y naturaleza están en relación. Los espacios y objetos se configuran sobre una base potencial, donde los espectadores se ven inmersos en un universo propio con raíces que mezclan fantasías con experiencias de vida, atravesadas por lo simbólico, lo poético y el sentido del humor.
BIO
Nació en Paraná, Entre Ríos en 1993. Licenciado en Artes Visuales por la Universidad Nacional de las Artes de Buenos Aires. Entre sus exhibiciones recientes se destacan “Renacimiento” (individual) galería Casa Proyecto, Buenos aires (2023); “A 18 minutos del Sol”, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2023); “Trópico Canguro”, Galería La Portland, Paraná (2023); “La Forma y la Fuerza”, Museo Sor Josefa, Santa Fe (2022); “Adentro no hay más que una morada” en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2021); Bienal de Arte Joven de Buenos Aires (2017); “De mis lágrimas Brotará un Río” (Instalación) Usina del Arte, Buenos Aires (2017). Salón Nacional de Artes Visuales Palais de Glace (2022-2016). Durante 2018 participó de la residencia del Museo de la Cárcova, Buenos Aires, y en 2019 de la residencia Comunitaria, Lincoln, Buenos Aires. Su obra forma parte del acervo del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y del Museo de Bellas Artes de Entre Ríos. Vive y trabaja entre Paraná y Buenos Aires.
INÉS MARCÓ
N. 1984
www.inesmarco.com
Inés entiende el arte como un nudo simple que se practicó desde siempre y que se seguirá practicando en el futuro. La madeja que envuelve a ese nudo simple hace que tengamos una percepción compleja de la cuestión, pero el centro de esa madeja mantiene intacta su sencillez. El tiempo, por su parte, es un hilo más en nuestras vidas. No es infinito pero sí abundante. Si uno es generoso, puede dejar que el carretel corra, permitiendo volcar una parte de nuestras vidas al ejercicio del arte. Por otra parte, concibe a la materia como algo noble, frágil y digno de ser preservado. Es consciente de que todos los materiales que usa se crearon a partir de un gran esfuerzo de la naturaleza y de otros seres humanos que participan también de su trabajo. La pretenciosa abundancia de nuestros días es nociva para nuestro planeta y para el ego de aquellos que sucumben a su espejismo.
BIO
Nació en Concordia, Entre Ríos. Es Licenciada en Artes Visuales (UNA). Entre 2017 y 2018, realizó un Posgrado en Artes Aplicadas Contemporéneas en la Escola Massana en Barcelona. Participó del Programa de Artistas de la UTDT en 2016. Recibió becas de formación y creación del Fondo Nacional de las Artes y del Fondo Metropolitano de Buenos Aires. Realizó estadías de investigación en Nueva York, Múnich y París y las residencias artísticas de la FAAP (San Pablo) y del Vermont Studio Center (Johnson, Vermont). Realizó muestras individuales y colectivas en Buenos Aires, Entre Ríos y Santa Fe. Desde 2014 coordinó los Encuentros de Artistas y Escritores en Buenos Aires. En 2018, publicó “Niño del río” (Ivan Rosado). y Som-hi! Diario del mar (Blatt & Ríos, 2021).Trabaja alternando escritura y artes visuales.
KAREN SPAHN
N. 1991
https://www.instagram.com/karenspahn/
Karen orienta su trabajo en direcciones distintas, algunas veces vinculado a la historia del arte, otras a la experiencia del tiempo y la contemplación. A veces el espacio se traslada en el plano a partir de dibujos y pinturas, otras veces se vuelven instalaciones u objetos textiles. En todas ellas se presenta un interés recurrente: la vida de las cosas y de las personas, escuchar historias de antes, lo que queda impregnado en los objetos. Actualmente trabaja a partir del hallazgo fortuito de geometrías domésticas trasladadas en telas y papeles. Formas azarosas, que se presentan impermanentes y se disgregan por toda la casa, en una película del azar que puede tener fin al cerrar una cortina. Escuchando a Marta Traba hablar de la geometría sensible retuvo algunas nociones: flotación de las figuras, indefinición, formas ligeras, alteraciones sutiles, espacio suave y blando, pérdida de peso, transparencias, lo poco perceptible, infringir las leyes de la geometría y de los cálculos. Se interesa especialmente en aquellas proyectadas por los textiles domésticos que, como un cuerpo, alteran su forma todos los días. Sensibles al viento, a la humedad, al calor, se expanden, estiran, arrugan, pliegan. Todo eso deja una huella fluida, a la que hay que apurarse si se quiere retener. Explora una tensión latente entre lo estático, añejo y gastado del teñido y la posibilidad vital de un esfuerzo mínimo pero persistente.
BIO
Nació en Paraná, Entre Ríos, en 1991. Es Licenciada en Artes Visuales de la FHAyCS, UADER, institución en la que participa de equipos de investigación y, actualmente, bajo la figura de Adscripta en Historia del Arte II. Es trabajadora del Museo Provincial de Bellas Artes "Dr. Pedro E. Martínez" de Entre Ríos, donde ejerce funciones en el Departamento Educativo y realiza tareas de investigación desde 2014. En el campo de la producción artística integra desde 2013 Transparenta Colectivo, grupo de artistas mujeres dedicado a las instalaciones multisoporte con tendencia a la estética relacional, que ha tenido participación en distintas instancias de muestra a nivel regional y nacional. De manera individual trabaja el dibujo, y en relación al espacio con esculturas blandas e instalaciones textiles. En el año 2021 ha obtenido el Primer Premio Municipal de Artes Visuales categoría Dibujo y el Primer Premio Adquisición Sección Arte Textil y Mención de Honor en Sección Pintura en el LVIII Salón Provincial de Artes Visuales de Entre Ríos.
quiere decir.
GUSTAVO GERMANO
N. 1964
https://www.gustavogermano.com/
Nacido en Chajarí, Entre Ríos, Argentina. Actualmente vive en Barcelona. Gustavo Germano comenzó a trabajar en fotografía en 1984. Desde 1990, ha colaborado extensamente con diferentes diarios y revistas en carácter de fotoperiodista y editor gráfico. Su aclamado proyecto de fotografía, Ausencias, ha sido exhibido más de 100 veces en todo el mundo. Este presenta imágenes de víctimas de la violencia estatal junto con fotografías de familiares y amigos supervivientes, confrontando a la audiencia con las numerosas capas de distancia y vacío que configuran el paisaje de la memoria, tanto personal como colectiva. Gustavo, hermano de Eduardo Raúl Germano, detenido-desaparecido por la dictadura militar argentina, nos recuerda que aunque la violencia y la brutalidad de la historia reciente de América Latina están en el pasado, aún son parte de la experiencia cotidiana de quienes han aprendido a convivir “con la permanente presencia de la ausencia.”
BIO
Los proyectos fotográficos de Memoria social y ciudadana de Gustavo Germano se han expuesto en más de 100 ocasiones en Museos, Memoriales, Centros Culturales, Bibliotecas y ex-Centros Clandestinos de Detención de 18 países (España, Italia, Alemania, Suiza, Francia, Dinamarca, Noruega, República Checa, Sudáfrica, Corea del Sur, Argentina, Chile, Uruguay, Brasil, Colombia, Cuba, Australia y Estados Unidos). Su obra ha formado parte de la exposición colectiva de fotógrafos Stigmata, curada por el Musée d’Elyseé de Lausanne (Suiza) para el Museo Internacional de la Cruz Roja de Ginebra; se ha presentado en la 61ª Convención de la UNESCO celebrada en Paris, y también en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires, en el Museo de la Solidaridad Salvador Allende de Santiago y en la Feria Internacional del Libro de Frankfurt (en 2010 y 2012). En 2014, Ausencias fue presentada por el Secretario General Ban Ki-moon en la sede de Naciones Unidas en Nueva York durante la Convención Internacional contra la Desaparición Forzada y, en 2015 se expuso en la sede de la Organización de Estados Americanos (OEA) en Washington D.C.
CECILIA PICHETTO
N. 1969
Es Profesora en artes visuales por la Escuela de Paraná y Diseñadora de Joyas y Orfebrería por el Instituto Superior de Joyería y Diseño “Benvenuto Cellini” de la Ciudad de Buenos Aires. Dictó diversos cursos en forma particular y talleres de iniciación artística en municipios de Entre Ríos.
Diseñadora de las estatuillas escultóricas de los premios “El Supremo Entrerriano”, la “Cinta Azul de la Popularidad”, “El Deportista del Año de Entre Ríos” y “El Gurí Entrerriano” entre otros.
También realizó cruces y esculturas religiosas y confeccionó trofeos deportivos para los Maratones de Aguas Abiertas “Hernandarias-Paraná” y “Villa Urquiza-Paraná”. Realizó bustos de personalidades históricas como José de San Martín, en Herrera y en Villaguay; José Gervasio de Artigas y Eva Perón en Maciá; Ricardo López Jordán, José Gervasio de Artigas, Francisco Ramírez y Justo José de Urquiza en Alcaraz, y Gapar Carlino en Cerrito.
Expuso su producción de joyería artística en ediciones varias del Baires Joya (Buenos Aires) y en galerías de arte de la Ciudad de Buenos Aires, Paraná y del interior del país. Durante varios años se orientó a la realización de trabajos por encargo en joyería de autor.
Diseñó modelos para el fabricante de joyas “Terra Veneta” y para la joyería “Fer du Monde” de la Ciudad de Buenos Aires.
vos diversos en Santa Fe y Paraná.
Actualmente articula su obra con el tatuaje.
MUESTRA PUENTE
Fondo Nacional de las Artes, Noviembre 2021.
Curadora: Manuela López Anaya
Textos de sala: Roberto Amigo
Declarada de Interés Cultural por la provincia de Entre Ríos mediante la Res. 224/20 SCG.
Fotografía: Cortesía de Jorge Minio y Dot fiftyone gallery.
PRESENTACIÓN
Nuestra tierra era como una isla entre los dos ríos, el pariente del mar y el de los pájaros y las piedras. Carlos Asiaín
Esta exposición a aspira presentar una mirada al arte contemporáneo entrerriano, en particular a un conjunto de artistas relacionados a la ciudad de Paraná, capital de la provincia (1). No intenta establecer una historia del arte de la región ni afirmar la existencia de una escuela propia, aunque se postule la presencia de rasgos en común dentro de una diversidad estilística, se trata de indagar en las propuestas estéticas de cada artista a partir de una selección acotada de obras significativas. Para este fin, se organiza la exposición en dos núcleos temporales: el primero con obras de los años sesenta y setenta, expresión de la ruptura con la tradición local; el segundo con producciones recientes de artistas activos. Sin embargo, no se trata de la combinación de una mirada histórica con otra actual, sino de pensar el conjunto desde una interpelación compartida: cómo activaron la contemporaneidad de los lenguajes artísticos internacionales, y en mediante esta acción establecieron posiciones propias sobre lo local sin localismos.
Se trata de la ciudad de Paraná como lugar compartido pero también como idea: el territorio donde el hacer puede cobrar sentido, en la balanza –a veces mal calibrada- entre la proyección individual y la construcción comunitaria. Debe pensarse qué es un territorio distinto donde actuaron Carlos Asiaín y Gloria Montoya del que lo hacen ahora Julia Acosta y Lucas Mercado, que pueden desplazarse en un espacio ya modificados por aquellos; como también se trata de otras pulsiones entre Buenos Aires y Paraná las que guían a Mildred Burton, de las que impulsan a Federico Lanzi. La inclusión de ambos, con fuertes vínculos con la ciudad, pero en cierto modo con un desarrollo de obra externo a ella, es pensar Paraná no como una locación geográfica sino como identificación personal, donde se entremezclan el deseo, la voluntad y también la necesidad de distancia.
También los viajes de formación, las etapas de la vida en otro lugar, la constante relación con Santa Fe, cruzando el río, y también el persistente retorno van dejando marcas en las obras, huellas de lo aprendido y de lo visto, de las redes afectivas. En este sentido, Asiaín, ante la constante interrogación sobre la identidad ofreció una reflexión certera y poética: “En principio nada es tan íntimamente particular de algo o de alguien, por tanto no es seguro referirnos a un arte provincial excluyendo los aires lindantes, los viajeros vecinos o remotos que pasaron dejando una palabra, una música, una forma de vestirse, una manera de labrar sus utensilios, sus instrumentos, sus historias reales o creadas para el asombro, para la esperanza.” (2)
Al respecto, Gloria Montoya, en una entrevista de 1960, respondió cuando le preguntaron si existía una pintura “con carácter entrerriano”: “… todos sentimos adentro ‘algo’ que nos hace llamarnos ‘entrerrianos’ con cariño. Cuando ese algo un tanto indefinido se abra paso, podremos hablar no de pintura local, sino de una pintura universal por sobre todo, pero con caracteres distintos. ¿Qué es necesario? Lo es, en tanto signifique la madurez espiritual de nuestro pueblo. Será entonces consecuencia natural y lógica, y producto de una época muy especial, en que el hombre está abierto al mundo, y se nutre con todas las corrientes, al tiempo que está arraigado en un pedazo de tierra.”(3)
Otro aspecto central, es son artista que a la par que producen su obra construyen el propio medio para llevarla a cabo, la infraestructura necesaria para cada etapa, dentro y fuera de las instituciones artísticas preexistentes. Así, formaron grupos y colectivos (Grupo 633, Parientes) afianzaron desde la enseñanza las escuelas de arte y organizaron talleres de crítica de obra, pero fundamentalmente se miraron entre sí. Acosta, Mercado y Lanzi llegaron a compartir el tiempo del hacer de la obra tardía de Asiaín y Montoya pero interesa pensar que en su formación como artistas no solo tuvieron en ellos las primeras pedagogías e imágenes reconocibles sino que también adquirieron la convicción en un medio esquivo. Tal vez por eso cuando en 1960 le preguntaron a Gloria Montoya, en la entrevista mencionada, por el artista entrerriano que le interesaba contestó: “ninguno”. Esta exposición, con el beneficio del tiempo pasado, se propone de revertir esta respuesta.
1. La Bajada del Paraná, poblado antiguo colonial fundado en 1730 desde el desplazamiento de habitantes de Santa Fe, en la ribera contraria del río. Adquirió predominancia al ser elegida como capital de la Confederación Argentina entre 1853 y 1861, bajo la presidencia de Justo J. de Urquiza. Aunque la villa fue capital provincial desde 1822, la fortaleza económica, política y cultural se desarrollaba en la ribera del río Uruguay, límite con la República Oriental. En el último tercio del siglo XIX la política de colonias agrícolas de inmigrantes transformó la sociedad entrerriana
2. En Claudio Osán, (dir) Walter Musich, Gloria Daneri. La plástica entrerriana en las décadas de 1960, 1970 y 1980. Principales artistas y tendencias. Informe final. Universidad Autónoma de Entre Ríos, 2015, p. 12. Mimeo.
3. Diario de Paraná, 2 de febrero de 1960. Transcripto en Gloria Daneri (dir) Carlos Battauz, Valentina Bolcatto . “Si lo crees no será fábula”. Una narrativa sobre el “Grupo 633” (Aldama-Asiain-Montoya-Zapata) Paraná 1961-1978.Diálogos con Carlos Asiain. Informe final. Universidad Autónoma de Entre Ríos, 2019, p. 23. Mimeo.
Trópico canguro
Exhibición en la Galería La portland
Gonzalo Fuenmayor
Federico Roldán Vukonich
Victoria Ruíz Díaz
Curador: Santiago Villanueva
13 de Mayo / 19 de Julio
Galería La portland
Bajada
Grande, Paraná, Entre Ríos, Argentina.
Lo estimulanteSantiago Villanueva
Qué pueden ser las obras más que volver sobre lugares comunes? Pero también resulta que los lugares comunes son justamente los espacios donde se hacen más evidentes todas la diferencias: será por eso que también en el arte se usa la palabra género para ordenar… nada nos deja tranquilos hasta que forme parte de algo, hasta que “se integre”. Sentimos que trabajamos solo si podemos hablar. Los lugares comunes son también códigos para empezar a acercarnos: la excusa de creer que compartimos algo. Lo común es lo optimista, la nube, cuando justamente vivimos adictos al conflicto: capaz una obra podría ser esa transición entre los lugares comunes y los lugares de conflicto.
Sólo lo difícil es estimulante, dice Gumier Maier que dice Lezama Lima. Una obra puede ser entonces lo difícil acercándose a lo fácil, el resultado acercándose a la ecuación. Una obra es el embrollo de las cosas comunes, un enredo… sino es otra cosa. Tal vez utilería, tal vez escenografía… un fondo. También pensar en una obra tiene que ver con la cautela: decidir cuánto involucrarse en algo: simular cercanía, decidir una distancia… donde puede ser el ojo u algo más lo que lo determine. Me gusta la idea de Ann Cvetkovich de “archivos de sentimientos”, lo afectivo como un modo de participación pública, lo traumático como aquello alejado de cualquier tipo de patología psiquiátrica. Cvetkovich dice “tanto la fantasía del regreso a un origen como el deseo de asimilación pueden ser estrategias para olvidar el trauma de la separación”. Y la separación puede ser aquel sentimiento de empezar a sentir una distancia, entre una persona y otra, entre nuestras vidas y un paisaje. Habla de lo queer como “una malla abierta de posibilidades, lagunas, superposiciones, disonancias y resonancias, equivocaciones y excesos de significado”, y tal vez desde está enumeración cualquier obra deberia ser el punto de partida de un gesto queer. Hacer de algo no metodológico un método, de lo que no se puede investigar una investigación, de lo que está o demasiado lejos o demasiado cerca un objeto, del éxtasis a la antropología. Tal vez se pueda hablar de un uso ritual del arte, en el sentido de pensar que no hay efecto transferible, y entonces no hay comunicación. El o los usos del arte son siempre colectivos, relacionados con una red, con una comprensión, cómo piensa Nestor Perlongher a algunas drogas. Lo ritual es lo que empieza a ser “no humano”, de algún modo. La obra de Federico funciona en ese modo como un diario que tiene dimensiones no lineales, un diario no narrativo. Las telas de Victoria pueden ser el doble juego de mirar lejos para volver a ver cerca, y así inventar. Una obra puede ser anotar. La obra de Gonzalo superpone más literalmente lo imposible, como el plano final de una película: una economía ya alejada de los sentimientos, con una certeza.
Lxs tres recolectan, en el sentido que podemos imaginar o distinguir cosas que antes no estaban juntas, y que la obra se encarga de mezclar de algún modo. Como Ursula Le Guin piensa la bolsa, un encuentro- contenedor de lo fundamental impensado.
Federico: Lo técnico como un perfeccionamiento para la distracción, resolver para pensar menos. Fragilidad simulada, pose del material. La caja contiene algo, en la superficie y por dentro. Las cajas alquímicas de Víctor Grippo, el esoterismo de los lazos familiares de Mónica Girón, los biocosmos como ejercicios para el luto colectivo de Emilio Renart. El color del chispazo y del brillo, más que del propio cuerpo. Iluminación sin los colores de la luz, el brillo propio. El objeto contenido… la imposibilidad de abandonar al objeto en la sala. El objeto como contenedor (emocional) del espacio.
Victoria: Los cielos de José Cuneo (no los de Oscar Bony). La relación con los dos lados, el del control, el de la aparición. El viraje en los colores, lo crudo que cambia el color… la falta de preparación para… La diferencia de pensar las cosas completas y las cosas a medias. Las formas dispersas sin saber cómo (las estrellas), formas curvas que dan continuidad. Nocturnidad o noche aspiracional (como Forner). Una temporada de silencio.
Gonzalo: Aquello a lo que el ojo no llega, el arte como la forma que junta, no es lo poco familiar, sino lo demasiado familiar e imposible. Lo contrario al surrealismo, operar sobre el paisaje. La opulencia en las formas que se repiten, lo que brota como algo decorativo. La clase en aquellas formas que de tan relacionadas aún no se conocen. Lo que produce y lo que gasta, la posibilidad de un fin.
El destino de las imágenes
Exhibición en la Galería La portland
Inés Marcó
Fran Vásquez
Curadora: Inés Raiteri
22 de Julio / 21 de Septiembre
Galería La portland
Bajada Grande, Paraná, Entre Ríos, Argentina.
Fotografía: Rebeca Zapata
Montaje: Guido Bertos
El destino de las imágenes Inés Raiteri
Cuando conocí la obra de Inés y Francisco, Francisco e Inés, sus universos me mostraron lo invisible de lo visible. Ellos crean allí en el ir y venir, en la recurrencia, mezclando planos de relación, buscando simultaneidad, indagando, recuperando, investigando y presentando el aquí y ahora y sus posibles transformaciones.
Si bien las expresiones de sus trabajos llegan después de un detallado y riguroso hacer no pude más que adentrarme por la imantación que ejerce en mi la infancia, en ese tiempo y sentir que todos estos movimientos son posibles y se manifiestan por el impacto que los dos incorporan desde siempre al momento de llevar adelante su trabajo. La infancia como el lugar posible para experienciar, dudar, hacer, equivocarse y también como el lugar vacío para dejarse impregnar por todos los nuevos registros que el ser explora.
Y hay un lugar en la memoria incandescente de aquella mirada libre, autónoma, abierta al mundo, creando relaciones esenciales con la palabra, reconstruyendo el pacto mágico animista, mostrando como se despierta en ellos ese momento no evidente pero que los constituye como observadores de lo que los rodea y nos invita a seguirlos.
Inés encuentra, en el cuerpo y sus acciones, visiones imprevisibles e inéditas de la realidad deformando los estatutos materiales y la semántica de las estructuras, volviéndose hacia las ideas de espacio, color, movimiento y superficie. Ella sistematiza un universo de nuevas conexiones construyendo un texto para comunicar. Un nuevo alfabeto que pondrá movimiento a cada una de sus producciones pictóricas y textiles. Nada es azaroso, hay en ella un sentimiento profundo de cuál es su límite, de cuál es su contorno y de cómo el contexto la nutre y la incorpora a ese nuevo decir. Ella puede nadar conscientemente en sus producciones pues conoce y se reconoce dentro del agua. Ver los ritmos de su cuerpo en cuidadosas sucesiones de líneas no puede dejar indiferente al espectador.
Francisco reconoce los primeros instantes de lo bello que aparece en sus dibujos y pinturas y lo vulnerable de la transformación que invaden su búsqueda. El atrapa el tiempo, y nos invita a estar atentos. Él nos espeja y en ese lugar podemos capturar parte de su mirada en la maquinaria que para él es el conglomerado urbano.
En el silencioso decir de sus proyectos cada dibujo activa una nueva experiencia a transitar. Es allí donde Francisco continúa explorando velocidades y los universos que indican la fragilidad de los movimientos en el tiempo y espacio. La imagen de esta manera traduce lo decible y nos señala que entre todos los cuerpos es posible delimitar con precisión lo que se pretende separar.
En “El destino de las imágenes” se nos presenta el horizonte que Francisco e Inés desarrollan. Entre el cielo y el agua estamos nosotros dejándonos invadir por sus emociones. Entre el cielo y el agua vuelve a nosotros para poder mirar con ojos de niño.
SOMOS FUNDACIÓN
10 de octubre
LA PORTLAND es una plataforma de arte contemporáneo entrerriano.
Se encuentra ubicada en el barrio Bajada Grande de Paraná, Entre Ríos, lugar donde funcionó una de las fábricas más prósperas de Argentina. Desde allí intentamos acercar prácticas artísticas a la comunidad, abrir la obra, los recorridos y proyectos de los artistas de la provincia. Es una plataforma experimental que trabaja con espacios e instituciones para la realización de muestras, residencias, programas educativos y culturales.
Queremos agradecer especialmente al escribano Carlos De Angeli que hizo posible después de mucho tiempo nuestra legalidad.
Tambien agradecemos a quienes nos acompañaron todo este tiempo: Gastón Grand, Paulo Coronel, Paulo Reula, Felipe Gonzales Vergara, Claudia Benavento, Martin Ruiz, Karina Castellano, Andrea de Monte, Marina Barbagelata, Sebastian Fouces, Marisel Cabrera, Juan José Preciado, Alyn Kalach, Ruth Infarinato, Zunny Zeballos, Manuela Lopez Anaya.
A lxs coleccionistas que nos y artistas que apoyan el proyecto. A todo el equipo de La Portland.
Directores: Alfredo Guzmán e Isaac Pererlman
Tesorero: Felipe Gonzales Vergara
Vocal: Claudia Benavento
Secretario: Pablo Reula
Contador: Paulo Coronel
Notario: Carlos De Angeli
Directora de Proyectos: Valentina Bolcatto
Coordinadora: Agustina Flores
Mural en el merendero Gurises costeros “Cristian Ríos”
Primeros encuentros de Pintura Mural en el merendero Gurises Costeros "Cristian Ríos" de Bajada Grande.
Desde la fundación acompañamos el trabajo de María de los Ángeles junto a otras madres del barrio. Nos parece importante poder acompañar desde la actividad artística y toda nuestra red.
Invitamos a participar en próximas actividades o con donación de juguetes y alimentos no perecederos para festejar la navidad.
Artistas: César Bernardi, Mantera Galeria.
Una Buena Cumbia
Una Buena Cumbia
Artistas: Mantera galeria y César Bernardi
Curadora: Valentina Bolcatto y Victoria Ruíz Díaz
Del 29 de Septiembre al 10 de diciembre.
La Portland
Cuenta con el apoyo de la Fundación 2b non profit, Dot fiftyone, Fuglor proyectos, Grand Emprendimientos, Nativa Contenidos y Viandas Parque.
Fotografía: Rebeca Zapata
Montaje: Guido Bertos
Artistas: Victoria Ruíz Díaz, Francisco Vásquez, Carla Britos y Julia Acosta
Primera Feria de Arte de Paraná
La Portland participó en la 1° Feria de Arte de Paraná, del 6 al 8 de octubre de 2023, en La Sala Mayo de la ciudad.
El domingo 8 se realizó Charla entre palanganas del artista Marco Bainella y brunch en la Galería.
Organizada por la Subsecretaría de Cultura de la Municipalidad de Paraná, esta primera edición reúne galerías, espacios culturales y artistas independientes del Área Metropolitana Gran Paraná.
El objetivo principal de esta feria es fomentar el mercado del arte local, promoviendo la comercialización y circulación de obras de arte. Además, busca fortalecer los lazos entre artistas, gestores culturales, galeristas, curadores y coleccionistas locales y de todo el país, ofreciendo una amplia variedad de propuestas al público en general.
Artistas: Federico Roldán Vukonich, Ariana Beilis, Javier Soria Vázquez
Pinta BA PHOTOS
La Portland participó en la Feria Pinta BA PHOTOS, del 28 de septiembre al 1 de octubre de 2023, en La Rural Buenos Aires.
Desde 2015 Fuera de Foco es un sector de solo projects destinado a la exploración de los diferentes procedimientos, lenguajes y materialidades que posibilita el medio fotográfico. Con el objetivo de hacer visible el trabajo de nuevas generaciones de artistas, Fuera de Foco invita a cuatro galerías de Argentina, a que presenten una propuesta individual, de carácter instalativo y experimental, promoviendo un territorio abierto al dialogo con otras disciplinas que puedan enriquecer y generar nuevas experiencias Estéticas.
Artistas: Lucas Mercado
Encuentro de lectura y escritura
Encuentro de lectura y escritura a partir de las obras que conforman la muestra "El destino de las imágenes" de Inés Marcó y Fran Vasquez, concuraduría de Inés Raiteri.
Coordinado por Lucas Mercado.
La Portland, Paraná Entre Ríos, Septiembre 2023
Textos de María Leda Maldonado, Noe Godoy, Andrea Fontelles, Lautaro Maidana y Sofía Pastori.
Descargar textos
Artistas: Inés Marcó, Francisco Vásquez
ENTRE EL CIELO Y EL AGUA
Artistas: Inés Marcó y Francisco Vásquez
Curadora: Inés Raiteri
El destino de las imágenes
Del 22 de Julio al 21 de septiembre a las 17hs.
La Portland
Cuenta con el apoyo de la Fundación 2b non profit, Dot fiftyone, Grand Emprendimientos, Nativa Contenidos y Glacé de Viande
Fotografía: Rebeca Zapata
Montaje: Guido Bertos
Artistas: Gonzalo Fuenmayor, Victoria Ruíz Díaz, Federico Roldán Vukonich
VISITÁ TRÓPICO CANGURO
Curador: Santiago Villanueva.
Mayo a Julio
Contó con el apoyo de la Fundación 2b non profit, Dot fiftyone, Grand Emprendimientos, Nativa Contenidos y Gin Mitos.
Fotografía: Rebeca Zapata y Federico Roldán Vukonich
Montaje : Francisco Vásquez
Artistas: Federico Roldán Vukonich, Cecilia Pichetto
Alma de Diamante. Taller de joyas y reciclado
Cierre primer taller de Joyería Contemporánea y reciclado a cargo de Cecilia Pichetto y Federico Roldán Vukonich.
De Junio a Agosto.
Acompaña: Fondo Nacional de las Artes
Resultados:
INAUGURÓ LA GALERÍA LA PORTLAND
Estamos muy felices de abrir este nuevo proyecto a la comunidad.
Nuestro desafío es poder acercar la experiencia del arte contemporáneo al público, empezando por la misma indefinición que consideramos que plantea el término “arte contemporáneo”, el cual está siendo repensado constantemente. Partimos de esta indeterminación como lugar de inscripción para diseñar los proyectos y actividades.
Queremos agradecer a Estudio Grand emprendimientos, Escribano Carlos de Angelis, Martin Ruiz y Alejandro de Sia, Karina Castellano, Manuela Lopez Anaya, Gustavo Villamor, Jorge Minio, Carmencita Vukonich, Pablo Britos
y a todxs lxs amigxs que están acompañando incondicionalmente La Portland.
Fotografía: Rebeca Zapata @miroalverte
Artista: Federico Roldán Vukonich, Karen Spahn, Victoria Ruiz Diaz, Marcelo Estebecorena, Eugenia Bracony, Julia Acosta.
LA PORTLAND PARTICIÓ EN LAFERIA DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE CORRIENTES 2022.
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El Gobierno de la Provincia de Corrientes, a través del Instituto de Cultura, presentó la 4° edición de la Feria de Arte Contemporáneo. la actividad se llevó a cabo desde el 16 al 19 de junio en el emblemático edificio de la ex Usina Eléctrica de la ciudad (Pasaje Edison 80).
Con un total de 15 galerías seleccionadas y 7 proyectos colectivos, la propuesta buscó generar conciencia sobre la necesidad del cuidado de la flora y fauna.
“La edición 2022 de ArteCO combina la experiencia de exposición y venta de obra de manera física de artistas, proyectos y galerías que representen artistas del NEA con un programa especial de exhibiciones, intervenciones, conversatorios y capacitaciones para vivir el arte contemporáneo de la región”.
Artista: Marcelo Estebecorena, Karen Spahn, Gusatvo Germano, Lucas Mercado, Eugenia Bracony, Inés Marcó
LA PORTLAND PARTICIPÓ EN LA 2° FERIA DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE SANTA FE.
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La 2° Feria se realizó los días 24, 25 y 26 de junioen la Estación Belgrano de Santa Fe. Participaron 23 galerías de: Santa Fe, Rosario, Paraná, Córdoba, Chaco, Catamarca y CABA.
La actividad fue organizada por la Secretaria de Educación y Cultura de la Municipalidad de Santa Fe.
Artista: Victoria Ruiz Diaz, Lázaro Olier, Marcelo Estebecorena, Transparenta colectivo, Julia Acosta.
LA PORTLAND PARTICIPÓ EN LA 1° FERIA DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE SANTA FE.
La 1° Feria se realizó los días 27 y 28 de noviembre en la Estación Belgrano de Santa Fe. Participaron 13 galerías de: Santa Fe, Rosario, Paraná y Córdoba.
La actividad fue organizada por la Secretaria de Educación y Cultura de la Municipalidad de Santa Fe.
Fotografía:
gentileza de la Municipalidad de Santa Fe.
Artista: Lucas Mercado
Lucas Mercado realiza un mural en la Cultural Inglesa
Pural proyecto remodelación de la Cultural Inglesa de Paraná
Proyecto estudio Grand & Cassano
Disertantes: Cristian Armendares y Pablo Sabbatella
Ecosistema crypto y NFT en arte
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La
Portland y la cátedra de Experimentación Visual (FHAYCS - UADER) presentaron un
proyecto vinculado a los nuevos modos de circulación y mercado de obras de arte
digital.
Contó con dos actividades:
Conversatorio online sobre token no fungible
(NFT), arte digital y uso de criptomonedas. Se
buscó explicar, entender y proyectar los NFT como herramientas para la
producción artística. La presentación estuvo a cargo de los especialistas Pablo Sabbatella y Cristian Armendares.
Ver video
Muestra de arte digital
El jurado seleccionó un total de 13 participantes para formar parte de la galería NFT.
Se otorgó un Primer
premio que consta de una "Tablet Samsung A7" y dos menciones especiales.
1° Premio: Catriel Brian Nahuel Bargas
Menciones Especiales: Florencia Melina Ludi y Brian Emmanuel Morilla.
Artistas seleccionadxs:
Adriel Radovitzky,
Carla Agustina Botto, Carlos Miguel Saigg Rafino, Emerson Dos Santos, Lázaro Olier, Matias Aranda, Natalia Benedetich, Virgina Cabral y Walter N. Musich.
Invitado especial: Ezequiel Camurri
PH:
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Fundación La Portland es una plataforma de arte contemporáneo entrerriano.
Se encuentra ubicada en Bajada Grande, Paraná, Entre Ríos, barrio donde funcionó una de las fábricas más prósperas de Argentina. Desde allí intentamos acercar prácticas artísticas a la comunidad, abrir la obra, los recorridos y proyectos de los artistas de la provincia hacia el mundo.
Es una plataforma experimental que trabaja con espacios e instituciones para la realización de muestras, residencias, programas educativos y culturales.
Arquitectura y construcción: Grand Emprendimientos
SOMOS
Alfredo Guzman
Fundador Director
Isaac Perelman
Fundador Director
Valentina Bolcatto
Directora de Proyectos
Agustina Flores
Coordinadora
Alyn Kalach
Directora Ejecutiva 2b non profit
CONTACTO
M: laportland.fundacion@gmail.com
T. 0343 154738886
I: La portland
D: Av. Estrada 3348, Paraná, Entre Ríos, Argentina.